Crítica afetiva e feroz sobre Led Zeppelin como matriz do rock moderno: Page, Plant, Bonham e Jones fundindo blues, folk, peso, psicodelia, palco, mito e influência em uma acrópole sonora ainda incontornável.

Led Zeppelin é o Baralho: por que a maior banda de todos os tempos ainda humilha os mérdios!

Não é uma resenha. É uma provocação em estado de combustão sobre a banda que não foi apenas uma carta histórica no baralho do rock — é o próprio baralho.

Nota do autor

Este texto não irá fingir neutralidade diante de uma obra que ultrapassa a condição de banda e alcança o território da mitologia musical.

O que mais desejamos provocar é o leitor pronto para discordar.

Venha com repertório, disco, palco, produção, influência, risco e obra — venha com seu gosto pessoal arraigado, mas venha também fantasiado, vestido e encarnado de argumentos.

Venha com teimosia.
Venha com temperamento.
Venha com alma.
Venha com humor.

Assim, talvez, será Arte.

De concordinos de redes sociais, resumos pífios, lacres recidivos, cópias cegas, surdas e mudas, a “mérdia” — essa mídia, merda e média em estado de decomposição — já está cheia.

“Âãããin... mas por que Led Zeppelin é a maior banda de TODOS OS TEMPOS?”

Como, como ensinar eles, Dota???

Só porque teve o maior guitarrista?

Em Since I’ve Been Loving You, Jimmy Page fraseia na guitarra como quem sangra devagar; Robert Plant responde como quem confessa uma tragédia universal.

Só porque The Song Remains the Same é uma das mais emblemáticas demonstrações dessa conversa sublime entre guitarra e voz...

Não.

Não é preciso esmiuçar o tal James Patrick “Jimmy” Page.

O maior guitarrista de todos os tempos merece uma crônica exclusiva...

Só porque teve o maior baterista?

John Bonham duelando com Robert Plant em Immigrant Song, uma música que nasceu depois da passagem da banda por Reykjavík, Islândia, em 1970. Daí o imaginário nórdico, viking, que Plant transforma em invocação vocal — e Bonham responde na bateria como se não estivesse apenas acompanhando, mas combatendo hordas de romanos com a voz.

Não é uma música “cantada com bateria”.

É uma colisão entre voz e tambor.

Como eles compreenderão isso, Dota???

Âãããin... é só por causa de Moby Dick também, claro...

Só porque John Bonham pegou a bateria — instrumento que muita gente ainda tratava como relógio de fundo, metrônomo parrudo, máquina de marcar compasso — e colocou no centro do universo das bandas.

É só porque, em Moby Dick, a bateria deixa de ser acompanhamento e vira criatura principal: respira, ameaça, tropeia, levanta, rosna, calcula, explode e volta como se tivesse memória própria.

Bonham não fez um “solo de bateria”.

Fez uma declaração histórica de soberania do instrumento.

É só porque apenas o Led Zeppelin teve estofo para cometer esse abuso: até quando a banda sai do caminho, a ausência vira palco.

Sozinho, Bonham prova ser o maior ícone da bateria no rock de todos os tempos: uniu brutalidade e precisão, instinto e arquitetura, força animal e inteligência rítmica.

Nada será, ao mesmo tempo, tão sublime, tão inovador e tão definitivo para recolocar a bateria no centro da mitologia do rock.

Só porque Black Crowes, Greta Van Fleet, Guns N’ Roses e metade da fauna roqueira posterior passaram décadas tentando alcançar, imitar, copiar, reverenciar, sem disfarçar que seguem a maior matriz rockeira de todos os tempos?

Só porque fomentaram ARTE ao redor de tudo que fizeram: som, capa, palco, presença, mito, timbre, excesso, estética, mistério e linguagem?

Só porque Quase Famosos, um dos grandes filmes sobre a mitologia do rock, nasceu desse imaginário zeppeliniano — das experiências de Cameron Crowe como jovem jornalista da Rolling Stone acompanhando Led Zeppelin?

Âãããin... só porque alguns celebram em outras bandas o minimalismo de instrumentos coadjuvantes, como se tocar pouco fosse automaticamente tocar profundo, mas não conseguem entender John Paul Jones — o homem que fazia a usina não explodir?

A obra dele talvez só possa ser comparada, em genialidade estrutural, à de Ray Manzarek no The Doors; e olhe lá, porque Jones conciliava duas funções quase impossíveis: ser invisível quando a música precisava parecer possuída por Page, Plant e Bonham, e ser absolutamente protagonista quando a arquitetura exigia baixo, teclado, arranjo, orquestração, mandolim, órgão, Mellotron, Clavinet, piano, pedal e inteligência musical de conservatório incendiada dentro do rock.

John Paul Jones não tocava baixo apenas para marcar tônica e seguir bumbo.

Isso é leitura de amador, ouvido de playlist, gente que acha que baixo é rodapé de guitarra.

JPJ fazia engenharia.

Construía linhas melódicas, contracantos, transições, tensões rítmicas, movimentos internos.

Em Ramble On, ele não acompanha: ele desenha deslocamento.

Em The Lemon Song, ele mostra que o baixo podia ser serpente, músculo, malícia e comentário.

Em Black Dog, atravessa quebras rítmicas como quem pilota uma máquina irregular sem deixar o motor morrer. A música parece cambalear, mas não cai, porque Jones está lá, segurando a física secreta do terremoto.

Com Bonham, ele formava uma criatura de duas cabeças.

Aquilo não era “cozinha” no sentido menor, domesticado, funcional.

Era fundação sísmica.

Bonham podia parecer selvagem porque Jones dava chão.

Jones podia ser sofisticado porque Bonham dava corpo.

Um batia como avalanche; o outro organizava a montanha enquanto ela desabava.

Essa combinação de groove, soul, funk, peso, precisão e brutalidade elegante é parte do que fez o Led Zeppelin parecer maior do que quatro homens em cima de um palco.

E ainda há os teclados — porque John Paul Jones nunca foi “o baixista que às vezes tocava teclado”.

Essa frase deveria ser punida com audição obrigatória de No Quarter no escuro.

Em The Rain Song, o Mellotron dele não enfeita: abre céu.

Em Trampled Under Foot, o Clavinet não é detalhe: é motor funk esmagado pelo Zeppelin.

Em Kashmir, os arranjos dele dão escala, gravidade e horizonte para o épico.

Em No Quarter, o teclado transforma o palco numa névoa psicodélica, sombria, quase submarina — uma atmosfera que muito fã de Pink Floyd celebraria de joelhos se estivesse em outro álbum, com outra capa e outro culto.

Antes do Led Zeppelin, Jones já era músico de sessão e arranjador requisitado.

Ou seja: ele não entrou na banda como um roqueiro tentando aprender sofisticação. Entrou como um profissional de estúdio que já entendia forma, textura, equilíbrio, timbre e função.

Baixo, teclado, mandolim, violão, arranjos, pedais, Mellotron, Clavinet, piano, órgão: Jones ampliava o tamanho da banda sem precisar aumentar o número de músicos.

Ele permitia que o Led fosse do blues brutal à balada folk, da pancada hard à paisagem progressiva, da música acústica ao épico quase orquestral.

Então, se Pink Floyd é celebrado pela aura ao redor da psicodelia, o que dizer de John Paul Jones, que carregou o Zeppelin flamejante sobre todos os palcos musicais de todos os tempos, sem precisar posar na frente da fotografia?

Ele era o centro de gravidade disfarçado de coadjuvante.

O baixista?

Não.

O arranjador oculto do terremoto.

John Paul Jones foi o gênio que aceitou parecer coadjuvante para que o Led Zeppelin parecesse impossível.

Enquanto Page incendiava, Plant invocava e Bonham devastava, Jones sustentava a física secreta do milagre: baixo como arquitetura, teclado como atmosfera, arranjo como feitiço e silêncio como autoridade.

E os jovencitos jamais acreditarão que John Paul Jones fazia tudo isso usando apenas a sua INTELIGÊNCIA NATURAL.

Sem tutorial.
Sem react de YouTube.
Sem pedalboard explicado em cortes verticais.
Sem professor de internet dizendo onde entra o groove.
Sem planilha de influência.
Sem manual de genialidade parcelado em doze vezes.

Apenas ouvido, repertório, instinto, estudo invisível, elegância brutal e aquela inteligência natural dos raros — a inteligência de quem não precisa explicar que sustenta o mundo, porque o mundo só não desaba justamente porque ele está ali.

ÂAAIINNNN... só porque teve o vocalista que serviu de referência para praticamente tudo que veio depois?

Âãããin... e ainda nem falamos de Robert Plant.

Como explicar aos jovencitos o sincretismo da voz à orquestra rock?

Porque Plant não era “o vocalista agudo do Led Zeppelin”, essa redução criminosa de quem escuta com ouvido de elevador.

Robert Plant era garganta, corpo, transe, presença, improviso, sensualidade, delírio, xamanismo, elegância e excesso.

Uma voz que não saía apenas do conjunto boca e cordas vocais: parecia escapar da guitarra de Page, bater no casco da bateria de Bonham, subir pelas linhas subterrâneas de John Paul Jones e se fundir na atmosfera como perfume eletro almíscarado.

Plant cantava como se a música estivesse acontecendo dentro dos confins de sua alma antes de acontecer na banda.

E quando improvisava, não fazia firula para provar alcance.

Ele abria fendas.

Esticava sílabas, rasgava o tempo, respondia à guitarra, provocava a bateria, deixava a canção em estado de risco extremo.

Por isso tantos grandes vocalistas se arrebentaram tentando imitar: copiaram o agudo, copiaram o cabelo, copiaram o peito aberto, copiaram a pose, copiaram o gemido, copiaram o grito — mas não copiaram a fonte.

Porque a fonte não era só técnica.

Era personalidade encarnada em som, música, arte.

Robert Plant juntou o hippie ao gótico, o dionisíaco ao trovador, o fetiche ao rito, o guerreiro celta ao amante psicodélico, o menino dourado ao xamã de palco.

Antes dele, muitos cantavam bem.

Depois dele, todo vocalista de rock precisou decidir se seria apenas cantor ou se teria coragem de virar aparição.

The Who, Deep Purple, Kiss... entenderam o teatro.

Ian Anderson entendeu a orquestra como instrumento único.

Nosso Ney Matogrosso, no universo dos Secos e Molhados, levou a performance vocal e corporal a uma dimensão ritualística própria.

Mas Plant foi quem transformou o palco em altar pio e profano, sem precisar de armadura, sem precisar de maquiagem pesada, sem precisar explicar personagem.

A movimentação dele não era coreografia; era instinto artístico.

Não era dança; era magnetismo.

Não era pose; era a emissão da aura.

E há uma perversidade elegante nisso: Robert Plant era band leader sem precisar ser band leader.

Não comandava por hierarquia.

Comandava por gravidade.

Page podia incendiar, Bonham podia devastar, Jones podia sustentar a física secreta do milagre — mas Plant era o vapor subindo da máquina de gelo seco.

Era o rosto visível da febre das multidões.

Era o Deus físico-químico que dava pele, cheiro, suor, desejo e mito ao som real que ainda transpassa gerações.

Um esnobamento humilde, excêntrico.

Um entojamento frugal.

Uma luxúria inocente.

Um excesso nobre, requintado.

Porque ele parecia saber que era absurdo, mas não precisava anunciar.

Não era a vaidade vulgar do vocalista que quer engolir a banda.

Era outra coisa: uma elegância selvagem, um porte físico, vocal e simbólico que transcendia o palco, a música, a imagem, o cabelo, o tórax, o gesto, o figurino e a própria juventude que não precisou findar-se aos 27 anos.

Robert Plant é o gênio que exortou a Assembleia das Forças Interrompidas de Robert Johnson, Brian Jones, Jimi Hendrix, Janis Joplin, Jim Morrison, Kurt Cobain e Amy Winehouse — e transcendeu sua própria existência ao “torna-te aquilo que tu és” vivo em todos os vocalistas que nele buscaram referência para alcançar o pináculo do palco.

Como se a sua voz, em vez de se extinguir no clarão precoce dos que arderam aos 27, tivesse atravessado a combustão, sobrevivido ao mito, envelhecido sem pedir licença e provado, com uma sutileza quase cruel para a história do rock, que nem todo gênio precisa partir cedo para não colapsar diante da própria grandeza.

Robert Plant transformava sonoridade em experiência sensorial completa.

Auditiva, porque a voz cortava e envolvia.

Visual, porque o corpo desenhava a música no ar.

Tátil, porque o timbre parecia ter textura.

Olfativa, porque havia ali quase um perfume holístico de couro, incenso, suor, campo aberto, eletricidade, madeira, noite, desejo e tempestade.

Ele não cantava Going to California.

Ele exalava Aldous Huxley, Andy Warhol & Nico, rufos ancestrais, oração celta e brado viking, filarmônicas e sinfônicas da Orquestra Zeppeliana.

E talvez seja isso que os imitadores nunca tenham entendido: Robert Plant não era um vocalista colocado diante de uma banda monumental.

Ele era forma instrumental viva da própria monumentalidade.

A voz?

Não.

O quinto elemento incendiário do Zeppelin.

Âãããin... é só por causa da tal Stairway to Heaven...

E How Many More Times.
E Communication Breakdown.
E Dazed and Confused.
E Babe I’m Gonna Leave You.
E os álbuns Led Zeppelin I, Led Zeppelin II, Led Zeppelin III, Led Zeppelin IV, Houses of the Holy, Physical Graffiti, Presence, In Through the Out Door e Coda.

Só por causa de Tangerine.
E Whole Lotta Love.
E Kashmir.
E When the Levee Breaks.
E No Quarter.
E Black Dog.
E Rock and Roll.

Âaaainnnn... é só porque o Led Zeppelin misturava blues do Delta, folk britânico, mitologia celta, ecos orientais, hard rock, psicodelia, música acústica, improviso de palco e a charmosa, esotérica, sedutora e afrodisíaca estética ocultista.

Âaaain... só porque Kashmir foi construída como uma espécie de ópera-rock desértica, sincretizando viagem, miragem, Oriente imaginado, áreas desérticas do sul do Marrocos, grandeza épica, riff hipnótico e uma arquitetura sonora que parece levantar templo no meio da areia.

Só porque Robert Plant colocou como pano de fundo de Kashmir não uma geografia literal, mas uma paisagem mítica — e transformou isso num dos maiores ÉPICOS da música de todos os tempos.

Será que aqueles ANIMAIS já andaram de skate ao som de Whole Lotta Love, Dota????

Outro ponto que os mérdios fingem que não ouviram.

O rock progressivo, visto hoje, é talvez o maior amálgama da música atemporal.

Ópera.
Psicodelia.
Jazz.
Folk.
Hard rock.
Música clássica.
Virtuosismo.
Improviso.
Teatro.
Literatura.
Mitologia.
Conceito visual.
Álbum como travessia.
Palco como rito.
Som como arquitetura.

E no baralho dessas bandas gigantes — The Who, Black Sabbath, Yes, Pink Floyd, Deep Purple, The Doors — cada uma tem sua carta histórica.

The Who abriu a ópera-rock.

Black Sabbath abriu o peso sombrio.

Yes levou o virtuosismo progressivo para as catedrais de vidro.

Pink Floyd transformou conceito, psicodelia e imagem em viagem interplanetária.

Deep Purple colocou órgão, guitarra, vocal e porrada numa máquina de combustão.

The Doors trouxe poesia, transe, teatro e xamanismo urbano.

Mas o Led Zeppelin?

O Led Zeppelin não é só uma carta desse baralho.

O Led Zeppelin é o baralho.

Porque sincretizou tudo.

Pegou o blues e eletrificou até virar terremoto.

Pegou o folk e encheu de bruma, madeira e feitiço.

Pegou o hard rock e deu corpo de dinossauro.

Pegou a psicodelia e botou músculo.

Pegou a música clássica e não imitou: incorporou ambição, escala, movimento, tensão, crescendo, arquitetura.

Pegou o improviso e transformou em duelo.

Pegou o virtuosismo e não deixou virar punhetagem de conservatório.

Pegou a ópera e não fez musicalzinho: fez rito, invocação, épico, excesso e transcendência.

Abriu portas para o heavy metal, para o punk, para o hardcore, para o grunge, para o stoner, para o rock de arena, para o pós-blues elétrico — direta ou indiretamente, por filiação, reação, negação, imitação, simplificação, endurecimento, sujeira, excesso ou tentativa desesperada de fingir independência diante da matriz.

Porque antes de todos esses filhos brigarem pelo sobrenome, já havia no céu um arranha-céu voador.

Um edifício com asas.

Um dirigível alado.

Um colosso de Swan Song sulcando a abóbada do rock.

O blues não ficou órfão.

O folk não ficou órfão.

O psicodélico não ficou órfão.

O hard rock não ficou órfão.

Nem o punk, quando quis cuspir no templo, conseguiu nascer sem reconhecer que havia um templo a ser profanado.

Nem o hardcore, quando endureceu a recusa, deixou de responder ao tamanho do monstro anterior.

Nem o grunge, quando sujou a melancolia elétrica, escapou completamente da sombra do Zeppelin.

Nem o stoner, quando transformou peso em deserto, fumaça e repetição hipnótica, deixou de ecoar aquele velho dirigível flamejante atravessando as nuvens.

Todos, por algum caminho, tocaram a carcaça luminosa do Zeppelin.

Uns imitaram.

Uns negaram.

Uns endureceram.

Uns simplificaram.

Uns tentaram matar o pai.

Uns fingiram que nasceram sozinhos.

Mas nenhum deles pôde impedir que, antes de suas guitarras descerem à garagem, já houvesse uma arquitetura colossal pairando sobre a música: blues, folk, psicodelia, peso, rito, sexo, mística, virtuosismo, improviso e palco fundidos num único corpo voador.

Led Zeppelin não deixou herdeiros obedientes.

Deixou órfãos revoltados tentando provar que não eram filhos.

E é justamente por isso que todos, até os que negam, continuam presos à órbita do Dirigível Alado.

Porque até a negação precisa de um pai para matar.

ÂAAAAAINNN... é só porque, de forma única e insubstituível, a bateria duelava com a voz, a guitarra duelava com a voz, o baixo sustentava terremotos, e cada música parecia disputar com a anterior quem fundaria melhor o próximo século do rock’n’roll!

Então refutem.

Mas refutem com fundamento.

Não venham com ouvido de playlist.

Não venham com birrinha de músico ressentido.

Não venham com gosto pessoal fantasiado de crítica.

Não venham com a síndrome do U2: pop baladinha para médios querendo posar de grandeza universal.

Tragam álbum.
Tragam palco.
Tragam produção.
Tragam influência.
Tragam risco.
Tragam sincretismo.
Tragam obra.

Porque dizer que Led Zeppelin é Stairway to Heaven é olhar para uma catedral pagã, elétrica, afrodisíaca, monstruosa, dentro de uma Acrópole musical, escutando a orquestra dos deuses eternos e infinitos do rock, e comentar:

“Legal a maçaneta.”

É, Dota God...

Talvez com Zodiac Analytics,

Talvez folheando revistas antigas... dropando vinis e “upando” as velhas bandas...

um dia,

ELES aprendam.

Nota editorial

Neste artigo, o autor cita, como se estivera a dialogar com o amigo Dota Bones, skatista folclórico das Gerais, baixista e vocalista da banda punk rock HangUp Lovers, criador de aforismos e citações geniais em suas narrações — verdadeiros destilados, aguardentes de Cultura Skateboard.

Os questionamentos à Dota Bones atravessam o texto como brincadeira e desespero compartilhado: dois skatistas da velha guarda olhando para gerações que já não leem revistas, não garimpam sons antigos, não colecionam vinis, não atravessam álbuns inteiros, não estudam biografias de bandas, não se debruçam sobre os detalhes das obras, não querem saber quem produziu, quem arranjou, quem sustentou, quem abriu portas, quem incendiou o palco e quem deixou herança.

Por isso o “Dota” não é apenas um vocativo.

É ode ao folclórico.

É ironia.

É lamento.

É gargalhada.

É Punk Rock.

É senha entre aqueles que ainda sabem que cultura não nasce de algoritmo, nem de react, nem de corte vertical, nem de opinião ligeira fantasiada de repertório.

Dedicatória

Este artigo — manifesto, sabatina, “doutrina”, aguardente crítica destilada em voz alta — é dedicado ao amigo do autor, o psiquiatra Dr. Fábio Martins Pereira, companheiro de escutas infinitas, repetições insistentes, debates acalorados, descobertas e sabatinadas musicais em sebos, lojas de discos dos anos 80 e 90, bandas, timbres, vozes, baterias, baixos, guitarras e mitologias que foram ouvidos centenas de vezes, até que o som deixasse de ser apenas som e passasse a revelar o Estado da Arte.

As bandas certas não se escutam...

Se atravessam.

E o Led Zeppelin, para quem ainda tem ouvido, memória e coragem, não se comenta.

Se enfrenta.

Se atravessa.

E o volume de alma, que vive a música, aumenta.

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Expediente

Texto: Frederico Manica
Edição e publicação: AG5 — Agência de Conteúdo / Central do Skate
Caráter do documento: crítica afetiva, provocação cultural e ensaio de repertório sobre a monumentalidade estética do Led Zeppelin.

Reprodução autorizada desde que com atribuição de crédito ao autor e ao veículo.

Manica, Frederico Leal — Central do Skate
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